Happy Feet

Happy Feet. El pingüino, película animada que sí te puede dejar con el ojo cuadrado, pues los personajes tienen unas texturas casi reales, incluso hay ocasiones que puedes observar las plumas de los pingüinos por la detallada forma de trabajo. También creo que un acierto es regresar a los clásicos. Pues desde que Shrek apareció; haciendo una sátira de las canciones de los largometrajes de Disney, todas, incluso la propia casa productora Disney, dejaron de poner a los personajes a cantar en las secuencias. Es esto es lo que hace tan interesante a la película, escuchar los musicales de nuevo con populares canciones estadounidenses, hace de esta película muy divertida, en especial sí la aprecia en su idioma original, pero si lleva a niños la versión en español no está nada mal. Aun así, lo que me gustó es la fórmula de regresar a los clásicos. Bien por eso.


Desgraciadamente no es una película excelente, pues si quitamos toda la parafernalia y el clásico humor de pastelazo que se a veces parece un leit motiv de las películas para niños. Si le quitamos los efectos digitales impresionantes junto con la versión en IMAX que hace de la experiencia de ir al cine en un boleto aparte. Nos quedamos con la historia que es: pobre en argumento, inconclusa en desarrollo, fofa en su conflicto central, sin sentido, y, fuera de momento reflexivos y críticas a los sistemas totalitarios; esto, se queda en un esbozo.


La película me la imagino como un híbrido que no terminó de formarse y se quedo en el intento. Porque cumple su cometido que es entretener, reír y pasar un buen rato. Pero como ya lo dije hace un momento, toca temas intensos pero de una forma absurda y sus resoluciones son doblemente absurdas.


Así que ya sabe si quiere ir a divertirse con esta película no tome en cuenta la historia, ni reflexione en ella. Por ejemplo; si le dicen en la película que los pingüinos no conocen a los humanos, es más ni siquiera se imaginan su existencia y segundos después los vemos y escuchamos cantando “A mi manera”, pues no sea tan agudo en la crítica, esta es una película palomera, aunque sean puros pingüinos.

Ivan Juárez
diciembre de 2006

Déjà vu

¿Esa película ya la había visto?

Ya casi estamos a finales de año, y a usted, ¿le gustaría que se repitiera lo que pasó en el año? La verdad yo no. Eso es regresar en el tiempo. Ahora, si en el 2007 observara cosas como si ya las hubiera vivido eso es un déjà vu, Y la película del mismo nombre es la que les voy a comentar para esta emisión.


Creo que la película traiciona su propio universo creado, sin contarles nada, es como si en una cinta de Superman un ratoncito matara al súper héroe, sin criptonita, y en verdad es una pena, porque la historia utiliza una de las mayores premisas que he pensado desde pequeño. ¿Qué pasaría si pudiera cambiar el tiempo?, regresar al pasado y cambiar lo malo que hice, o reacomodarlo, desde ese punto creo que el largo es interesante pues, la historia, se desemboca por caminos metafísicos y mágicos, ya que en ella podemos volar junto con los personajes principales.
Desgraciadamente, creo, que las reglas se rompen al desenlace de la misma. Y una historia que comienza de forma apabullante, con una escena de de acción que te captura y a la mitad se pone mejor, llega a un final que no te la crees y con un chocante final. Muy a la Hollywood.

El director Tony Scott, continúa en esta película utilizando a Denzel Washington, en una mediana actuación del actor afoamericano.

Pero creo que el punto crítico es que el título Déjà vu, esta mal, pues esta definición más o menos literal es lo ya visto, o sea que son hechos en el presente que se sienten antes vividos, el error de la Matrix. Pero lo que verá en Déjà vu, es nada más un simple y sencillo viaje en el tiempo, entonces el engañoso título me llevó a una pequeña frustración de facto.


Pero si está vez que vaya al cine, quiere simple y puro entretenimiento, pues está es la película palomera de la semana una mezcla de Top Gun y Hombre en llamas, que fue el Déjà vu que me dejó al verla.

Ivan Juárez
diciembre de 2006

Los Infiltrados

Entre Borges y Scorsese

Recuerdo que la primera vez que me acerqué a la literatura de Jorge Luis Borges, no confundir con el también célebre aunque inexistente Jose Luis Borgués, el novelista favorito de nuestro otrora presidente, encontré en el cuentista y ensayista un juego de ficción y realidad que me llevó a no creer ni de mi propia sombra. A pesar de su vasta obra y exuberante literatura cntada en primera persona y jugando entre la realidad y la ficción, nunca llegó a obtener el Nobel de Literatura, él fue una especie de Rey sin corona. Pero si se pregunta porque en cinemática auditiva comento de un escritor, es sólo para hacer una relación no comparativa sino de caminos paralelos, digamos. Es porque sobre la película que comentaré es del director que por más películas que ha hecho nunca se ha ganado un Oscar. Me refiero a Martin Scorsese. Su nueva película “Los infiltrados” es magistral, desde su impecable guión, las actuaciones de Leonardo di Caprio, Matt Damon y Jack Nicholson se nota el trabajo de este sexagenario director.

Dos personajes, Di caprio y Damon, son los infiltrados, o, los espías. Uno del lado de los policías y otro del de los ladrones. Esta simple anécdota es llevada por sinuosos caminos que complican la vida, no sólo de los personajes, sino también de los espectadores. Pues si piensa que ya le vendí la película al nombrarle de que trata, créame que no le he dicho ni la décima parte de lo que esta cinta es. Y no es que rompa con patrones establecidos en Hollywood, más bien se nota que con el talento que tiene Scorsese, que parece que cada año lo llena de más genialidad, puede llevar los esquemas de una historia de acción a trastocarlos de una forma casi mágica y ver como ésta, tiene el potencial de convertirse en un clásico del cine, como: Taxi Driver y Goodfellas del mismo director.

Ahora bien, cuando yo terminé de ver la película, las frases que expresé fue: -Si con esto no se gana el Oscar, ya no se lo ganó con nada–. Pero señores, créanme que este director puede sorprender todavía más, El Rey sin corona de la cinematografía, ya que como Borges, guardando por supuesto los niveles de comparación, ha ganado todo, menos el premio cinematográfico más conocido en el mundo.

Ivan Juárez

diciembre de 2006

Niños del hombre

La nueva de Cuarón y el chivo Lubezki. Hace 19 años que la raza humana no ha tenido hijos, las mujeres parecen estériles en todo el mundo. Los hombres estamos condenados a desaparecer si no hay un nuevo nacimiento. Esta es la anécdota de la historia que se desarrolla en el año 2029 en Inglaterra, única nación que no ha sucumbido al caos y las guerras pero sí a la discriminación y el exterminio. Esto es “Niños del hombre”, la nueva película de Alfonso Cuarón. Sinceramente, estamos acostumbrados a ver que la computadora junto con los efectos especiales pueden hacer cosas que hace veinte años nunca imaginaríamos, hace, que el espectador ya no se sorprenda, hablo en el sentido no saber como se hizo pues llegamos a una conclusión hecha. Lo hicieron con la compu. Pues bien, en esta película me quedé en una pieza pues me sorprendió, me impresionó, me dejó en una sin habla. Es algo impresionante fotografía del también mexicano Emmanuel Lubezki. Que son secuencias sin cortes de al menos 6 minutos de acción pura, cambiar este concepto de que las películas cuando tienen pocos cortes o están en planos secuencias. Se vuelven aburridas y se piensa en largometrajes viejos. Pues no, esta cinta derrumba todos esos conceptos, pues está llena de: suspenso, acción, escenas muy fuertes y además de una crítica aguda al fundamentalismo en el que el mundo está inmerso, entre posiciones irreconciliables dispuestas a matarse entre sí por su propio dogma. Esto hace a “Niños del hombre” una película excepcional desde su temática hasta su forma narrativa. La cual da un sentimiento de documental de guerra espeluznante. En los cines se está promoviendo mucho la tercera dimensión en IMAX, que es como vivir la película. Sí le interesa vivir una experiencia casi real, le recomiendo mucho, pero en verdad mucho. Vivir esta experiencia llamada “Niños del hombre”, que pone en alto, una vez más, a los realizadores mexicanos, en el mundo. Estoy seguro que el Chivo Lubezki esta vez sí se va a llevar el Oscar a mejor fotografía, porque ya lo dije y no me cansaré de decir. Me sorprendió. Me dejó sin habla. Ivan Juárez noviembre de 2006

Babel

Hay relatos que ya de por sí guardan su historia, una de las películas que en el ambiente cinematográfico fue muy comentada y esperada desde hace ya muchos años es Babel, la nueva película de Alejandro González Iñárritu y guión del galardonado en Cannes: Guillermo Arriaga. La historia es fascinante desde su sinopsis. ¿En qué puede repercutir una bala disparada en el Medio Oriente? ¿Llegará a cambiar la vida de varios personajes en tres países? Esta idea un tanto metafísica es posible en Babel y es justificada con creces. González Iñárritu sigue su línea ya conocida de saltos de tiempo en la historia, armándola en la mente del espectador a lo largo de sus dos horas con 22 minutos. En esta cinta se nota la madurez alcanzada por el director mercando su propio estilo, es decir, cuando apareció Amores Perros una de sus principales críticas era su clara referencia con Pulp Fiction, al menos en la estructura, pero Iñárritu ha demostrado que ésta es su firma, su narrativa se convierte en estilo. Nadie sobresale en la película: ni siquiera los personajes que interpretan Prat Pitt y Cate Blanchett, todos mantienen un tono parejo. Tampoco verán las tomas que favorecen a estas estrellas de hollywood, es una histora cruda, como suelen ser los guoines de Arriaga, pero con la contención dramática desde el primer munuto, el cual se va soltando poco a poco, pero nunca abruptamente. Es una catársis con espasmos muy largos, en 21 gramos ya se notaba este estilo. En Babel, convierte la contemplación en acción y reacción. Esto es, una secuencia que desconstextualizada de la película podría aburrir al espectador; al verla como un todo se convierte en una historia llena de sentido y entretenida. Sí, Babel fue hecha para verla de principio a fin, no es posible entrar a la función después de 15 minutos, porque no entendería todo el concepto. Le recomiendo que llegue cinco minutos antes para no perder un solo cuadro de la película que por muchos años fue nombrada sin filmar y que ahora ya en cartelera sobrepasó mis expectativas. Ivan Juárez noviembre de 2006

Volver

Este es un film que tiene mucho en común con nuestra cultura: tanto hablada como escrita. Si usted no ha visto “Volver” de Almodóvar pero ha leído Pedro Páramo de quien es para mí el mejor escritor mexicano del siglo XX: Juan Rulfo entrará en conexión con esta película. Pero aun así sólo por el hecho de ser mexicano y tener en nuestro consiente colectivo las historias que se narran en los pueblos, donde las abuelas se sentaban a contar como los seres queridos regresaban a platicar con los deudos, pues, de esto mismo que trata la historia.

Tal vez para muchos países la película tendría tintes surrealistas, pero en verdad no hay nada de esto. Es simplemente una de tantas que podría haberse contado en cualquier pueblo mexicano, donde los muertos regresan a saldar cuentas que no concluyeron cuando vivos.

Sin desmerecer la gran experiencia de Almodóvar que muy probablemente se lleve de nuevo el Oscar a Mejor película extranjera, para los mexicanos no es una historia que impacte o trascienda, tal vez sí para otras culturas donde los fantasmas son vistos como algo malo que sus sentimientos hacia los vivos es de venganza y destrucción. Pero en nuestro país es parte de la cultura.

La historia es entretenida e inteligente pero sí tiene inconsistencias en la progresión dramática que a veces no entiendes. Penélope Cruz está fotografiada de una forma magistral y este recurso hace que pases por alto los errores de guión que son evidentes en la historia. No estoy diciendo con esto que sea una mala historia, ¡vamos!, al contrario creo que la última película de Almodóvar es una de las mejores desde “Todo sobre mi madre”, sólo recalco que para el público mexicano tendremos que esforzarnos un poco más en el interés de la historia porque la sorpresa que puede causar un fantasma vivo, me refiero a esos que todo mundo ve y crees que está con nosotros. Lo hemos leído en Pedro Páramo donde todos los personajes están muertos y realmente el intruso de la historia es un vivo.

Ivan Juárez

noviembre de 2006

El Laberinto del Fauno

El laberinto del Fauno, la nueva película de Guillermo del Toro es una historia que me remite a los hermanos Grimm, o a Hans Christian Andersen. Los cuentos para niños de aquellos años del siglo XIX, eran apasionantes y rotundos, y, con un sentimiento de verdad. En esta cinta se respira un aire de esos. Narrada en la época de la Guerra Civil Española, Del Toro nos introduce poco a poco en la imaginación de una niña que es una ferviente lectora de historias fantásticas donde los duendes y las hadas giran en torno a sus pensamientos. A la par de la cruenta Guerra Civil que dividió a los españoles en dos bandos irreconciliables. Es en este escenario donde la magia aparece. El Fauno, mezcla de Dionisius; el dios griego del vino, la deidad a la que los griegos dedicaban las “carnestolendas dionisiacas”. De un Puck; el duendecillo travieso y fiel sirviente de Oberón en la comedia de Shakespiare “Sueño de una noche de verano”, que al menos a mí me remitió; Impresiona y seduce al primer vistazo. Una de las agradables sorpresas de la película. Es ver a personajes fantásticos y sacados de los cuentos de hadas hablando en español, porque los grandes efectos digitales de producciones extranjeras casi siempre están habladas en inglés, entonces ver a unos seres mágicos tan bien realizados, hablando nuestro propio idioma es algo que no vemos todos los días. A usted le puede gustar o no gustar la película pero lo que es innegable es que Del Toro es un director Vanguardista en el cine mexicano, incluso me inclino a decir que en el cine de habla hispana. Pues el filme es de esos que las casas productoras negarían, por los efectos especiales que maneja, por las complicadas tomas que ofrece, porque simple y sencillamente se arriesga mucho más de lo que el mundo está acostumbrado a ver de cine Iberoamericano, por ese solo hecho se merece el respeto; por haber creado algo que en verdad es mágico. La historia impacta, sacude y estremece. Sí, es un cuento para niños pero para niños pensantes, no es un relato donde pinta la vida color de rosa, pues la vida no es así, las historias reflejan nuestra realidad y eso mismo es lo que hacían los escritores de cuentos para niños del siglo XIX. El Laberinto del Fauno es una gran película y es todavía más genial que su director, guionista y productor sea un mexicano de vanguardia. Ivan Juárez noviembre de 2006

Macario

En 1959 el director Roberto Gavaldón y el Fotógrafo Gabriel Figueroa, llevaron a la pantalla la cinta que sería a la postre: la primer película mexicana en ser nominada al Oscar como mejor película extranjera, por supuesto extranjera para ellos. Algo sucede con las películas mexicanas que destacan en el mundo, encontrarle los defectos siempre es más fácil que argumentar los aciertos. La película fue criticada en su momento y tachada de excesiva por los “expertos” de los años sesenta, por supuesto los mexicanos, que esa película era para satisfacer al público extranjero y quien sabe que barbaridades más aun así la película sigue siendo reconocida, y las críticas han quedado en el olvido. ¿Qué pasará con los detractores de las películas mexicanas que han triunfado a nivel mundial?, seguramente les pasará lo mismo, ¿o no? Pero hablemos de Macario de Gavaldón. Un indígena tiene un guajolote que quiere comerse solo en el bosque, tres personajes se le aparecen en secuencia: dios, el diablo y la muerte. Es a éste último al que le convida pues sabe de quién se trata, a cambio, La muerte, le obsequia un cántaro con el que podrá ser famoso al revivir a los moribundos, claro, siempre con la venia de la Calaca. La película está basada en un cuento del escritor Bruno Traven, que a su vez se basó en otro de los hermanos Grim. La fotografía es realmente memorable, quien no recuerda la guarida de la Muerte plagada de miles de velas encendidas en profundidad casi infinita, en un blanco y negro que aparenta una pintura en movimiento.Ahora en esta semana que comienza, en esta semana de cambios de horarios, cuando mañana parecerá que vivimos una hora más, algo tan surrealista como un día de 25 horas. Esta es la semana de los difuntos, de ellos los que nos acompañan en la mesa a cenar a recordar y a que su memoria permanezca, No le vendría nada mal que en la semana rente, o compre está joya de la cinematografía mexicana, Macario es la opción de esta semana, porque para salir al cine tenemos una vida entera y para el día de los muertos solamente un día al año. Macario con Ignacio López Tarso y Enrique Lucero como La Muerte no lo decepcionarán, al menos si usted no pide los servicios de éstos. Ivan Juárez octubre de 2006

Cazador de dinosaurios

Cuando los efectos son malos pero la historia no lo es tanto. Hace aproximadamente unos 8 años llegó a mis manos un libro de cuentos llamado “Las doradas manzanas del Sol” de un escritor que ya conocía y me había causado un gran shock al haber yo leído la novela “Fahrenheit 451”, me refiero al autor estadounidense: Ray Bradbury. En aquel libro de cuentos encontré una historia que me dejó cautivado y de cierta manera, volando en los cielos del pensamiento; hablo de la famosa historia “El ruido de un trueno”. Una compañía en el año 2055 ha creado una máquina del tiempo y emplean este descubrimiento para ganar dinero, todo parece ser perfecto hasta que un error humano sucede, pues la plataforma donde viajaban se colapsa y alguién toca el suelo prehistórico, esto hace que la historia tal y como la conocemos sufra cambios vertiginosos. Tanto en la tierra como en nuestra especie y no importan que se traten de arreglar en los saltos de tiempo subsecuentes, siempre serán peores. Bueno, después de remembrar un pasaje literario; abordo de lleno la película de esta semana: “Cazador de dinosaurios” historia basada en el cuento que les acabo de sintetizar, es un poco ilógico que la película en su título original se llama idéntico que el célebre cuento de Bradbury y en español no, es evidente que quién la nombró en México, no tenía ni la más mínima idea que se trataba de una obra basada en tan popular cuento, eso le hubiese dado más público pero que le vamos a hacer no se dan fresas de los ciruelos. En fin, la película es muy mala en cuestión de efectos especiales, a lo mejor hace 20 años hubiera sido un boom pero francamente he visto mejores gráficas en juegos de video. Aquí entramos en una disyuntiva, pues qué es más importante: los efectos o la historia, porque la película es entretenida después de unos minutos entras en la convención de sus efectos chafas, y los olvidas, ocupar un buen cuento y hacerlo película fue el acierto. Las actuaciones son medianas y ninguno ganará el oscar eso se los aseguro. Insisto, es una película donde su mayor atributo es la historia, ésta se sostiene por sí misma. Creo que es una gran oportunidad de que compruebe lo que digo que a más de uno le parecerá un disparate. Sólo les advierto una cosa, el verdadero final de la historia de Bradbury está en la película con diez minutos de anticipación, porque después viene ese final hollywoodense tan innecesario pero que según los doctos en la materia son los que dan ingresos en las taquillas. Aun así, después de ver el largometraje le invito a que compre el libro de Ray Bradbury “Las doradas manzanas del sol” y se lea el pequeño cuento de “El ruido de un trueno” para que deleite también a su imaginación. Ivan Juárez octubre de 2006

Niña Mala

El Internet es el medio por excelencia en este siglo 21, la revolución que causó hace algunos años el Chat fue impresionante conversar con gente a distancias inauditas y que además no cause un costo extra es algo maravilloso. Esta ventaja se puede convertir en desventaja también, pues la edad no importa para conocer a alguien. La Película Hard Candy, Niña Mala en español, aborda el tema de la pedofilia a través de las salas de char por Internet. Lo que hace que la cinta sea especial, es la forma de abordar el tema, no es una historia fácil pues desde el punto de vista técnico, las tomas de la película siempre son cerradas, muchos CU hacen que la narrativa se convierta intimista, incluso desesperante, porque estamos acostumbrados a que se nos vaya revelando poco a poco las condiciones del lugar, eso no sucede en la película. Algo que está muy logrado es un extraño sentimiento de compasión por el pedófilo, sí, escucho usted bien, el pedófilo se convierte en víctima y protagonista, la sensación es extraña pues en cualquier caso sería distinto este sentimiento, pero lograr lo contrario, ha hecho acreedora a premios en festivales internacionales. Pero no todo es miel sobre hojuelas, pues considero que la trama a la mitad de la película comienza a convertirse burda dentro de su mismo planteamiento, pues el recurso sorpresivo o vuelta de tuerca de la historia, se utiliza una y otra y otra vez, entonces la sorpresa se convierte en algo normal que ya no aporta a la historia, en términos más coloquiales diría que: se engolosinaron con el tratamiento de la historia. Aun así la película vale la pena, pues prácticamente se sostiene con dos actores encerrados en un departamento a lo largo del film. Un proyecto de bajo presupuesto, que asombra al principio, que se cae un poco a la mitad, pero que inesperadamente vuelve a levantar en el último tramo es lo que les recomiendo en esta semana. Les recuerdo que la Muestra de cine Argentino sigue en el complejo de del WTC, y todo el mes de octubre se exhibe la Muestra de Cine Europeo en la Cineteca Nacional, así que hay mucho cine por ver en este mes, ocupe un espacio de su tiempo libre en ver propuestas alternativas, le aseguro que no se arrepentirá. Ivan Juárez septiembre de 2006

Señora venganza

El realismo mágico del Taka Taka.

El odio, la revancha, la muerte despiadada, el cerebro maestro del que quiere cobrar venganza.

El cineasta Coreano Park Chan-wook sorprendió al mundo entero con Oldboy, la primera película de la trilogía sobre la venganza. La historia va así: hay un hombre que es incomunicado de todo trato humano por quince años, al soltarlo, quiere venganza. Déjeme decirle que esta sencilla sinopsis desmerece lo que la película es, pues rompe todo esquema moral a lo largo que avanza la trama. La cinta es recomendable e incluso tiene todas las condiciones para convertirse en una película de culto. Pues bien, con nada de bombo y platillo se estrenó en México la segunda película de la trilogía. Su nombre: Señora Venganza.

Una hermosa joven de escasos 19 años, es condenada por el rapto y asesinato de un pequeño niño. La noticia conmueve a Corea, ya que además de bella e inocente. La muchacha elucubra un plan para acabar con el verdadero asesino, que por alguna razón no delató y ella tiene que cumplir una condena de más de diez años. La señora Venganza ahora está libre.

Si usted espera ver una película de acción estilo Kill Bill, mejor quédese sentado, porque lo encantador de este nuevo largo de Park, es sin duda su tono contenido en el desarrollo de la trama. Una película para pensar: pues la venganza cuando es efectiva, se prepara durante años, se saborea, se junta de personas que hagan suyo el sentimiento, no, esta no es una cinta de acción oriental que estamos acostumbrados a ver, ese clicé no entra en el universo de Señora Venganza. Quien haya visto Oldboy sabe de lo que hablo pero aun así, si no la vio, esta última secuela es independiente, no tendrá problemas en entenderla.

Los peros pueden ser sus mismos atributos. Gracias a su narrativa con información cargada de saltos de tiempo, puede resultar confusa. Además de estar hablada en coreano, los subtítulos a veces son demasiado rápidos.

Esta vez le propongo que asista al cine no a contemplar y relajarse, sino que permanezca en su butaca concentrado, enfocado en el desarrollo del filme. Pocas veces hay una oportunidad de ver un largometraje que exige tanto del espectador, pero le aseguro que la recompensa será mayor que el esfuerzo.

Ivan Juárez

septiembre de 2006

Torres Gemelas

Cuando el monstruo nació

En el año 2002 apareció una película de producción francesa que convocó a 11 directores del mundo, 11 cortometrajes de 11 minutos cada uno, el nombre: Septiembre 11. Presentaba la perspectiva de cada director respecto a los hechos ocurridos en Nueva York. En la Unión Americana la película no se proyectó, argumentando que la herida de aquella mañana no se había sanado, fue así como muchos Estadounidenses perdieron la oportunidad de ver una gran colección de perspectivas artísticas sobre el 9/11.

5 años más tarde Oliver Stone dirige la Película Torres Gemelas protagonizada por Nicolas Cage.

Contar una película sobre hechos que todo el mundo prácticamente conoce, no es tarea fácil, tratar de desarrollar efectos especiales de algo que se vio en vivo, y luego se repitió una y mil veces desde ángulos inimaginables, es tan difícil de hacer como volver a levantar las Torres mismas.

Creo que el Director lo tenía muy conciente, y dejó de lado los efectos visuales para concentrarse en las actuaciones. La película no es un cúmulo de imágenes impactantes, ¡no!, para eso están los programas especiales que aparecerán año con año, esto es una historia de sobrevivencia, de cómo la pasaron sepultados dos personajes en la Torre 1 del WTC, La película transcurre en los escombros con tomas casi fijas y sin cambiar el encuadre de la posición la cámara, eso nunca lo nota usted, porque las actuaciones sostienen toda la historia: Entre Cage y el actor mexico-americano Michael Peña que fue uno de los protagonistas de Crash.

La película Torres Gemelas está basada en hechos reales; se la recomiendo, ésta va a ser la primera de muchas más que vendrán a lo largo de los años, por supuesto producidas en los EU, parece que a un lustro de la tragedia, ahora sí pueden ver los norteamericanos películas que toquen el tema. Por ejemplo en febrero del año próximo viene “Vuelo 93” el avión de United que fue estrellado por los pasajeros para impedir la colisión en la casa Blanca. Dudo mucho que alguna vez se vaya más allá. Porque las matanzas atroces a civiles que propinó el gobierno de Bush, en Afganistán e Irak no creo que se produzca en un film, porque tal vez, y digo tal vez, sería una forma de mostrarle a muchos americanos que siguen sin entender porque una gran parte del mundo Árabe los odia. ¡No!, el american way of life, nunca ha contemplado la autocrítica.

Ivan Juárez

septiembre de 2006

Cine Mexicano; el desplome de la época de oro.

Si pensamos en cine mexicano en Blanco y Negro casi siempre pensamos: Época de oro. La mayoría de las películas que vemos en la tele, no tienen mucho que ver con esta época. Déjeme darle unos datos: La época de oro comprende de 1936 al 46, algunos críticos comentan que se extendió hasta el 57, por la simple razón que ese fue el año de la muerte de la última gran estrella mexicana, me refiero a Pedro Infante. Pero vamos por partes, en aquel periodo de diez años se llegaron a producir 300 películas al año, los estudios Churubusco eran inmensos cubrían toda la colonia Country Club, y el Centro Nacional de las Artes, los Estudios Tepeyac es ahora la colonia del mismo nombre en el norte de la ciudad, esto gracias a toda la producción que se realizaba.

A pesar de ser una industria con grandes ganancias y que no tenía ningún competidor cerca, pues la 2da Guerra Mundial había frenado la industria de Hollywood y el competidor más cercano Argentina, se alió con los países del eje. México estaba en momento único e irrepetible en la historia, ¿pero qué pasó?, simple y sencillamente lo desperdició, porque una de las razones por la cual el cine mexicano se fue a pique es que a pesar de todas esas grandes oportunidades, los cineastas consagrados, no dieron cabida a nuevos talentos, o incluyeron a alguien nuevo, tanto en actores como en realizadores, porque el star sistem implantado en nuestro país solo tenía las mancuernas de Emilio el “Indio” Fernández, Gabriel Figueroa. La diva era María Félix, que sustituyó a Dolores del Río, y Pedro Infante que sustituyó a Jorge Negrete, estos dos actores no vivieron la misma etapa, porque mientras Jorge Negrete ya era una estrella, Pedro Infante iniciaba, además que el “Charro cantor” muere en 1946 y es precisamente en ese año que la carrera de Pedro Infante despega al estrellato. Gracias a la televisión que pensamos que los dos actores eran estrellas en la misma época; pero no es así. Entonces en un sistema tan cerrado, es obvio que al pasar del tiempo los temas que en un principio habían dado fama y reconocimiento a México, comenzaron a ser aburridos y repetitivos. Y los actores: viejos y muy vistos.

Pedro Infante era el único que mantenía las taquillas llenas, pero ese fenómeno es para desarrollar en otra ocasión. Otro dato de la crisis creadora es que en 1958 se suspende la entrega del Ariel, a un año de la muerte de Infante.

Tampoco el gobierno se preocupó por crear sus cineastas que sustituyeran a la primer camada de talentos, pues la primera escuela de cine en México fue creada por la UNAM, en 1963 o sea que a 67 años de que el cine tocó tierras mexicanas, comenzaba a estudiar la primer generación del CUEC. Muchos se preguntan porqué terminó esa época, creo que ahora la pregunta es: ¿llegaremos otra vez a tener una industria fílmica?

Ivan Juárez

septiembre de 2006

Efectos secundarios

Muchas veces se piensa que al pagar un boleto en la taquilla del cine es como un seguro de entretenimiento, te olvidas del mundo unos segundos disfrutas, sufres o ríes, muchas veces rondas por todas las emociones con un mismo boleto, y qué importa lo de afuera, si en la sala estás siendo parte de algo. Al salir de la función lo más seguro es que regreses a tus problemas, a las causas, a los efectos y a la extraña sensación de tener en verdad una vida y continuar con ella a pesar de todo. Pero al menos ya vimos una película y no me preocupé por nada de eso en dos horas. Esta semana fui a ver un film que en 120 min. me hizo pensar y pensar y pensar; en mis problemas. Efectos secundarios tiene todo el potencial para convertirse en la peor película mexicana de este año.

Comencemos por la historia: no sé a usted, pero a mí me molesta que al espectador lo traten como un tonto, que nos hagan pensar que la historia corre por un sentido y de repente resuelven los conflictos de una forma forzada y que parece que se lo sacan de la manga. Altibajos en la historia produce que uno pierda el poco interés que genere la película. Los textos están muy bien escritos, muy pulcros y sin errores, eso lo aleja de una realidad cotidiana, ¡vamos!, nadie habla así. Hay variaciones de género: parece que vemos una comedía, luego transitamos al drama, luego un absurdo y termina siendo una chocante moraleja dándonos lecciones de como llevar una buena vida.

En lo técnico está completamente descuidada la fotografía, hay tomas que te hacen marearte porque no sabes si los personajes vienen o van.

Es una pena el resultado de Efectos secundarios, porque su tema central es interesante, qué pasaría si algunos compañeros de la prepa se reúnen años más tarde en una fiesta de generación y todos entran o están por entrar a los treinta años.

Este largometraje tiene un tratamiento al estilo del cine Hollywodense, en cuanto: a guión, tomas y actores “bonitos” de clase media gringa, que tienen que lidiar con ellos mismos. Pero bueno, si me voy a chutar dos horas un tema que EU tiene ya muy dominado y además me ponen como protagonista a Angelina Jolie con efectos especiales de 100 millones de dólares, pues yo me voy a verla en lugar de la mexicana.

El problema no es hacer cine como los gringos para que inviertan en la industria, sino hacer cine a la mexicana sin copiar lo que desde un principio sabemos los estadounidenses son los amos y señores. Esta película hace honor a su nombre: mostrar una cinta así tiene sin lugar a dudas sus Efectos Secundarios.

Ivan Juárez

Agosto de 2006

El decadente

La película teatral

Si yo le preguntara: ¿cómo piensa que se realizaba el teatro en el siglo XVII en Inglaterra?, seguramente me contestaría que eran unas puestas en escena fastuosas. Pero, ¿y con qué iluminaban el teatro?, ¿qué hacían para poder explicar elipsis de tiempo? Así podría seguir enumerando situaciones que en el siglo XXI damos por hecho.

La película El decadente nos da a parte de entretener, una muestra de cómo se hacía el teatro en aquellos años.

Otro punto que debate esta obra, es la idea de que en la actualidad somos los más liberales que en cualquier otra época, si nos comparamos con el tiempo que sugiere la película, no iremos de bruces y se dará cuenta que en comparación, nosotros somos casi victorianos. No es una película fácil, tampoco tiene tomas impresionantes, esta es una película con sentimiento teatral, iluminada con cientos de velas que dan realismo a la historia. Un noble llamado: John Wilmot, segundo conde de Rochester, interpretado por Jonny Deep, expone los excesos de la época, lo mismo en el teatro, en las conquistas y escribiendo obras dramáticas casi pornográficas, lleva al espectador a crear una empatía interesante, porque no hace nada correcto, pero encanta y cautiva.

Esta película se estrenó hace dos años en Europa, desde ayer se exhibe en los cines comerciales de México; no pierda la oportunidad de abrir lo ojos al pasado, con un largometraje que cuenta la forma de hacer teatro en el cine, el modo de vivir de los ingleses y la vida de un Conde en decadencia.

Ivan Juárez

Agosto de 2006

En el hoyo

El Zócalo se ha fotografiado desde que se pueden tomar impresiones, gracias a eso uno puede ver la forma tan cambiante y extraña que ha modificado al centro político del país; desde jardineras que tenía antes hasta la plancha de concreto. Pues bien, Juan Carlos Rulfo, hace su aparición, tratando de contar una historia similar pero de la construcción del segundo piso; no en fotográficas, sí en video, de cómo esa enorme estructura del periférico, se fue armando, y, documenta la vida de cinco obreros durante un año, el resultado es asombroso. A pesar de que el tema puede ser poco interesante para un amplio sector de radioescuchas, la película sobrepasa sus expectativas, pues el tratamiento de la obra documental es; alegre, alburera, cómica, gandaya y cábula. El ritmo de la película lo marcan ellos; cinco obreros: El guapo, El Chabelo, El Grande, Vicencio y Tomás. Además de otras intervenciones de sus compañeros que cuentan sus puntos de vista ante la vida, siempre viéndole el lado jocoso, aunque eso no quiere decir que no lo tomen en serio. Pero el tema que estremece que está inmerso en el documental, es que el director Rulfo, nunca pretendió hacer un estudio Sociológico de la gente que trabaja ahí, al contrario, pues ese no es el fin de este documental. Pero pasa algo que aterra y espanta, y es que se hace evidente la distancia social que hay en este país. Que se va marcando más y más, no en vano en esta historia, nos hacen conocer a cinco individuos, pero como esos cinco todos los demás trabajadores del Segundo piso, entonces el documental termina siendo un microscopio de otro mundo, uno que existe, que está a un lado de nosotros pero nos negamos a ver todos los días y eso no debería pasar.La película tiene tomas impresionantes cinematográficamente hablando, pero la secuencia la final es memorable, créame que es exquisita; al compás de la música, nos lleva a mundos lejanos frente a esa imagen, o sea volamos con ella. Se la recomiendo por eso y además se va a divertir. Ivan Juárez Agosto de 2006

La expresión de cortos en Guanajuato

Condensar historias, atrapar la atención de principio a fin por sólo unos cuantos minutos no es tarea fácil. La producción de cortometrajes mexicanos es una realidad, ya sea en cine o en video los nuevos cineastas están trabajando, una muestra de ello es la enorme cantidad de festivales de cortometrajes que se realizan en México a lo largo del año. Uno de ellos, considerado el tercer festival más importante a nivel mundial es Expresión en corto que se realiza en San miguel de Allende y Guanajuato capital. El Evento se realiza la última semana de julio. Éste año, cumplió su novena edición, mostrando cortos de todo el mundo. En la selección oficial compitieron 20 cortometrajes divididos en cine y video, además, cada año, hay un país homenajeado; en esta ocasión fue Francia, mostrando una selección de 60 cortos divididos en ficción y documental, quién además, junto con la directora del Festival Sara Hoch, trajeron al director de Irreversible; Gaspar Noé. Se exhibió por primera vez en América, la cinta animada Renasance, que habla del tema de la inmortalidad, hecha con una técnica de alto contraste en motion capture, esto es: filmar la película con actores para después digitalizarlos cuadro por cuadro en blanco y negro sin tonalidades de grises, dando un realismo a la animación impresionante. No deje de verla pues pronto estará en los cines de México. En los cortometrajes del Rally Malayerba, se entregaron los premios a los equipos que participaron en el reto de realizar un corto de inicio a fin en 24 hrs., rally, que se llevó a cabo en el pasado festival de cine de Acapulco en junio pasado, pero fue en Guanajuato en donde nació hace cuatro años, y es en éste festival que se le dio difusión. Los premiados de la novena edición fueron; “Por si no te vuelvo a ver” de Alejandro Ramírez como mejor corto mexicano y “Lucía y las cosas” de los argentinos Andrés Riva y Abramovich Gullco como mejor cortometraje del festival. El próximo año el país invitado será Estados Unidos, habrá que esperar hasta la décima edición, para disfrutar de cine por todo Guanajuato, pero créame, bien vale la pena la esperar para escuchar de nuevo el lema de Expresión en corto: más cine por favor.

Ivan Juárez

México D.F., agosto de 2006

El niño.

El niño es la película ganadora del palmares 2005 en cannes, una cinta que muestra la otra Francia, una que tiene veneno, que tiene mentiras y verdades Una pareja de jóvenes de menos de veinte años, él un ladrón que vive de sus fechorías con su banda de niños los cuales le surten de artículos y dinero robado. Ella acaba de tener un bebé y con menos de nueve días de nacido la historia comienza. Plagada de mensajes implícitos la historia te arranca de tu realidad para trasladarte a la atmósfera implacable del delito y la sensación de vivir al día sin miramientos. La moral es el motor principal de la historia. Sentimientos tan básicos como la paternidad y la justicia juegan con el espectador hasta el extremo de no saber que hay más allá de la escena que estamos viendo. El final inesperado rompe con el letargo de sentimientos desbordados. Los autores de esta obra ponen en juego al ser más indefenso que pudieses imaginar; un bebé de ocho días de nacido, esto crea la antipatía de los que en el trayecto de la historia tratan de hacerle daño, por eso es conmovedor el final y esperanzador en el lugar más desesperanzador. Los conflictos que se suscitaron en París el año pasado en los suburbios, trayendo un caos a la ciudad, bien podría ésta película ejemplificarnos los niveles de pobreza y desesperación que, lo único seguro es que se vive al día, en un lugar donde se tiene la imagen que la pobreza es parte del pasado, y tal vez sí, la pobreza se traduce en esa parte del continente en la no pertenencia. En México acostumbrados a que la mayoría de los jóvenes salgan de sus hogares hasta que se casen o a ya muy avanzada edad, al ver el ejemplo de un muchacho francés que a los veinte años, la madre ni siquiera lo invite a pasar a su apartamento nos da pequeños detalles de la diferencia que hay en los conceptos de valores de estos países europeos, que cosa será mejor, eso sí no lo sé pero el golpe moral de esa secuencia al menos para nuestro país es duro e incluso para algunos podría ser incomprensible. Es por eso que la película vale mucho la pena porque además de aprender el modus vivendi, de otro país, por otro lado nos ataca con valores universales que esos sí son los que llegan a tenerte al filo de la butaca, ésta es una de esas películas que disfrutas sufriéndola de inicio a fin.

Ivan Juárez

México D.F., agosto de 2006

Superman regresa

Supertraje a la Spiderman Superman regresa; Sí es cierto este es el año Desde que los estudios Pixar aparecieron, fueron la revolución en los dibujos animados por computadora, cada ciclo de verano llegan con una nueva propuesta y es ahora que los carritos hacen su aparición en la nueva película Cars. Esta propuesta es impresionante en los gráficos, tal pareciera que cuando ya vimos todo en tecnología aparece algo que hace que digas; “¡No es posible!, no lo puedo creer”, la verdad el inicio es muy estimulante en cuanto a la acción de la película, Pixar también hace uso de la sátira que utilizaron los estudios Dream Works, en las secuelas de Shrek, utilizando imágenes de películas populars, como Rápido y furioso o La guerra de los mundos. La trama y el desarrollo de la película, no hay nada nuevo, es la fórmula que los estudios Disney tiene más que probado y que con Pixar sintetizan en un buen balance de la historia, pero si quiere ver algo nuevo fuera de los avances tecnológicos no lo vera. Ahora bien, a mi particularmente la historia me tenía muy adentrado y mucho tiene que ver con mi niñez, y el juego con mis carritos de carreras, jugando meta en la pista de carrera de la escuela o poniendo en línea los autos a los cuales les atribuía una personalidad, siempre tenía mi auto increíble, el que trataba bien y sabía que rodaba como ninguno, ese era mi gallo en las competencias de la escuela primaria. Aunque no sé que tan interesante se le haga a las niñas de entrada ver carritos, no pretendo decir con esto que los niños azul y las niñas rosa, ¡no!, lo que trato de explicar es que la forma como a mi me atrapó y atrapó a los papás en la historia creo que fue el hecho de una identificación con la infancia, cosa que está muy bien lograda en Toy History, su éxito tine mucho que ver en la identificación con niños y grandes, Pero en cars todos los personajes son masculinos y el único auto femenino, es la enamorada de la historia, no sé si esté alucinando en este comentario pero es lo que percibí desde el inició la película, por supuesto la mejor opinión es de usted.Pero aun así los niños querrán ver esta nueva propuesta de Pixar. Siendo un poco más agudo en la crítica creo que las historias cada vez se están volviendo más pobres en su contenido, usted puede prever el final de la historia desde los primeros diez minutos sin temor a equivocarse, creo que a pasado a segundo término la historia a ser nada más una anécdota y centran su atención en el adelanto tecnológico.

Ivan Juárez

México D.F., julio de 2006

Cars

Carritos chocantes. Desde que los estudios Pixar aparecieron, fueron la revolución en los dibujos animados por computadora, cada ciclo de verano llegan con una nueva propuesta y es ahora que los carritos hacen su aparición en la nueva película Cars. Esta propuesta es impresionante en los gráficos, tal pareciera que cuando ya vimos todo en tecnología aparece algo que hace que digas; “¡No es posible!, no lo puedo creer”, la verdad el inicio es muy estimulante en cuanto a la acción de la película, Pixar también hace uso de la sátira que utilizaron los estudios Dream Works, en las secuelas de Shrek, utilizando imágenes de películas populars, como Rápido y furioso o La guerra de los mundos. La trama y el desarrollo de la película, no hay nada nuevo, es la fórmula que los estudios Disney tiene más que probado y que con Pixar sintetizan en un buen balance de la historia, pero si quiere ver algo nuevo fuera de los avances tecnológicos no lo vera. Ahora bien, a mi particularmente la historia me tenía muy adentrado y mucho tiene que ver con mi niñez, y el juego con mis carritos de carreras, jugando meta en la pista de carrera de la escuela o poniendo en línea los autos a los cuales les atribuía una personalidad, siempre tenía mi auto increíble, el que trataba bien y sabía que rodaba como ninguno, ese era mi gallo en las competencias de la escuela primaria. Aunque no sé que tan interesante se le haga a las niñas de entrada ver carritos, no pretendo decir con esto que los niños azul y las niñas rosa, ¡no!, lo que trato de explicar es que la forma como a mi me atrapó y atrapó a los papás en la historia creo que fue el hecho de una identificación con la infancia, cosa que está muy bien lograda en Toy History, su éxito tine mucho que ver en la identificación con niños y grandes, Pero en cars todos los personajes son masculinos y el único auto femenino, es la enamorada de la historia, no sé si esté alucinando en este comentario pero es lo que percibí desde el inició la película, por supuesto la mejor opinión es de usted.Pero aun así los niños querrán ver esta nueva propuesta de Pixar. Siendo un poco más agudo en la crítica creo que las historias cada vez se están volviendo más pobres en su contenido, usted puede prever el final de la historia desde los primeros diez minutos sin temor a equivocarse, creo que a pasado a segundo término la historia a ser nada más una anécdota y centran su atención en el adelanto tecnológico.

Ivan Juárez

México D.F., julio de 2006

El aura

El viento amargo. Taxidermia, una mente fotográfica, el deseo obsesivo de cometer un asalto y la epilepsia, son los pilares que arman la cinta argentina, con producción franco-hispana. El aura. La película es un vaivén de sensaciones e incógnitas; su título es la primera de éstas. El aura, es esa sensación que antecede un ataque epiléptico, esto, es algo que agradezco de ésta propuesta cinematográfica, la parte poética y profunda de la misma, es en ésta forma como nos muestra su director Fabián Belinsky, el inicio de un ataque epiléptico es muy convincente y sensitivo, no es para menos, pues trasladar un sentimiento tan íntimo, de esos que solamente pocos experimentan, mostrarlo en pantalla y hacer que sintamos, es un gran punto anotado. Pero no todo es color de rosa en éste Largo, El talón de Aquiles de la película es precisamente el esqueleto del mismo; me refiero al guión. Las inconsistencias producen que el espectador se salga de la historia para cuestionar la trama, su mayor pecado es pretender demasiado con un guión tan traicionero, el personaje principal; un taxidermista epiléptico, va al campo de caza con un amigo, esa es la anécdota de la historia, de ahí en adelante, la trama se torna extraña e incongruente, la cual se traiciona a sí misma. Tal vez soy muy exagerado, en mi opinión, pero una propuesta que pudo llegar a ser un excelente film termina siendo una buena película a secas. Aun así, son pocas las veces que el público mexicano puede apreciar el cine que se está haciendo en el cono sur del continente, y si usted le da una checadita a la cartelera, observará que se encuentra en un gran número de cines, aproveche la oportunidad de esta semana, pues créame que vienen estrenos de holliwood, los famosos estrenos de verano que acaparan todas las salas, estrenos que vienen como Cars, Sillent Hill o Superman, van a borrar del mapa a las propuestas alternativas, al menos en los cines comerciales. El aura es una película que explora las soledades del ser humano, sus obsesiones y oportunidades, que a pesar de la complejidad del tema, el director se ahorró muchos personajes y cuenta, y sostiene una historia por dos horas que te atrapa poco a poco. Lo inevitable va a suceder, el aura, la antesala del ataque epiléptico. El aura, ese viento amargo que nos tragamos porque no queda de otra, sólo los que saben que mueren todos los días y no pueden hacer nada para evitarlo, saben llevar la vida como si nada importara, eso es poesía en la pantalla y el aura tiene mucho de ello en su propuesta, a pesar de su guión, es una película poética desde su título.

Ivan Juárez

México D.F., junio de 2006

El cine de oro

De 25 kilates. Es irremediable que cada ciclo finaliza, hoy aquí concluyo con mis comentarios sobre las películas de “la época de oro del cine mexicano”. Cuál película sería la ideal para cerrar, la verdad no se me vino a la mente ninguna, mejor decidí comentar un poco sobre esta época del cine mexicano. Allá voy. Qué o cuáles situaciones generaron en México esa explosión de películas, hay que remitirnos a los antecedentes y uno de los factores principales fue EU. A veces pensamos que el cine siempre se ha hecho igual a como lo conocemos hoy día, pero imagine usted que antes, las películas que producía hollywood se hacían en dos versiones, una para el público de habla inglesa y otra a la par, para los hispano parlantes y algunas veces, una más para los franceses, si la película en sí salía costosa, imagine multiplicarlo por tres. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, EU, comenzó a ocupar locaciones mexicanas en el norte y centro del país, trayendo material y equipo de última tecnología para rodar películas no sólo habladas en inglés. La Guerra Civil española, hizo que muchos republicanos fueran refugiados en nuestro país trayendo consigo a la intelectualidad de la época. Estás dos situaciones no hubieran hecho notar al cine mexicano por sí mismo, hubo otro acontecimiento histórico que marcó el despunte rotundo que hizo a México una verdadera industria cinematográfica convirtiéndose en la primera industria a nivel latinoamericano, Argentina se alió a los países del eje y al finalizar la guerra no hubo apoyo de inversión por parte de EU a ese país. Combine usted estos factores y nuestro país estuvo en el verdadero cuerno de la abundancia. Emilio el “Indio” Fernández aprendió el cine en Hollywood pues tenía cuentas pendientes con la ley mexicana y al tratar de subsistir inició desde abajo, aprendiendo el lenguaje y operación de una película. Luis Buñuel, repuntó su carrera aquí, muchos de los que trabajaron con el maestro, como su guionista; Luis Alcoriza, seguiría dejando huella en el país ya como director incluso después de la época de oro. Grandes técnicos se formaron en Hollywood, pero el equilibrio artístico lo hacían los intelectuales y artistas mexicanos tales como los maestros Julio Bracho y Gabriel Figueroa, “el fotógrafo mexicano”. El star sistem, también operaba en aquellos años, gente como; María Félix, Arturo de Córdova, Cantinflas, Pedro Infante, Jorge Negrete, Pedro Armendáriz y Dolores del Río, entre muchos otros más, fueron creando una mística de la industria, estrellas que solamente el cine puede crear, y que la Televisión de ahora no puede sustituir. Pero no hay que olvidar que ese cine es rico porque al mismo tiempo que podemos ver un cine comercial y popular como la trilogía de “Nosotros lo pobres”, “Ustedes los ricos” y “Pepe el toro”, por el otro lado tenemos cintas de corte más crítico y punzante como “Los olvidados” “La vida inútil de Pito Pérez” o “Flor Silvestre”. La gama de propuestas hacía un manjar que no supimos digerir y mantener. En que momento eso se nos fue, ni cuenta nos dimos, podríamos echarle la culpa a la crisis o al la nacionalización de la industria o a cualquier otra cosa, lo cierto es que, cuando nos dimos cuenta Argentina y Brasil se recuperaron, nosotros ya estábamos haciendo cine de ficheras y la producción mexicana se fue a la borda, hace muy poco México se ha dado cuenta de su necesidad de volver a retomar el cine y hacerlo crecer a nivel de industria, pero hacer cine con identidad mexicana es lo que más trabajo cuesta en este país, dónde la industria norteamericana nos ha comido el mandado Ivan Juárez Junio 2006

La sombra del caudillo

Lo que pudo haber sido. Una de las películas que causó mucho interés hace ya algunos años fue La ley de Herodes, su intento de censura por parte del gobierno de Ernesto Zedillo fue la nota en todo el país, a raíz de eso la película fue uno de los pocos éxitos taquilleros de aquellos años, muchos íbamos a ver la película al cine por la sola razón de la censura, claro que la película es de una calidad innegable, pero ¿qué hubiese sido de ella si la misma no hubiese sido censurada?, o peor aun, si la película además de censurada, nadie hubiese promovido la proyección y presionar al gobierno para que fuera mostrada comercialmente. Hay una película que estuvo en esta situación y que por lo cual pasó desapercibida en toda la década de los años sesenta y que muy probablemente hubiera llegado a ser la mejor película de esa década. Me refiero por supuesto a La sombra del caudillo. Basada en la novela de Martín Luis Guzmán, el director Julio Bracho se aventuró a filmar esta polémica cinta, que narra los hechos del México pos-revolucionario, dónde los nombres aunque ficticios son claramente reconocidos, pues la película señala como inicio la fecha de mil novecientos veinte, y los nombres de los personajes son más que evidentes; el caudillo en la película representa a Álvaro Obregón quien gobernó de mil novecientos veinte, al veinticuatro; el general Jiménez es Plutarco Elías Calles, sucesor de Obregón; el general Aguirre es una mezcla de Adolfo de la Huerta y del general Francisco Serrano el cuál, fue asesinado junto con sus partidarios en 1927. Julio Bracho no encontró problema alguno para filmar la película, pues las locaciones que utilizó fue la cámara de diputados, hoy cámara de representantes del DF y el Castillo de Chapultepec, en esta apertura, nadie imaginaría lo que después pasó, sucede que: antes de estrenarse la película fue enviada a un festival de cine de nombre Karlovy-Vary en Checoslovaquia, donde su realizador recibe el premio a mejor dirección y Tito Junco el de mejor actuación masculina, con esta atenuante, se planeaba un estreno impresionante y espectacular. Es aquí donde hago un alto a los hechos y comienzo con las leyendas. Pues todo se torna oscuro y extraño a partir de este punto. Cuenta la leyenda que, a veinticuatro horas del estreno, un grupo de militares prohibieron su estreno, por la mala imagen que daba de México y la Revolución ésta película. Inexplicablemente la película a un día de su estreno, sí escuchó usted bien, a un día de su estreno, la película nunca se estrenó y los negativos originales inexplicablemente fueron desaparecidos, esto para no sacar más copias. Julio Bracho, director de grandes películas del cine de la época de oro entre las que destacan ¡Ay que tiempos, señor don Simón! (1941), Historia de un gran amor (1942), pero es con La sombra del caudillo, la obra más lograda y madura del director, nunca se pudo reponer de este golpe, a pesar que se hicieron gestiones en los subsecuentes sexenios para que la obra se mostrase o apareciera al menos. No fue sino hasta mil novecientos noventa, que en la Cineteca Nacional se hizo el estreno de La sombra del caudillo, en una copia muy mala y afectada por los años en 16mm, ni siquiera en su formato original que fue en 35mm, la película fue mostrada una semana solamente cuando Julio Bracho había dejado de existir 12 años antes. En el año dos mil salió una versión en dvd, de ésta obra con una presentación de Martín Luis Guzmán, hablando de la película. Hay obras que gracias a la censura, ganan mucho dinero y a sus actores y director le dan un prestigio inusitado. Hay otras, no perdón, hay una película que gracias a la censura hizo que México estuviera detenido muchos años más, tal vez si la sombra del caudillo, no hubiera sido censurada, el cine que se hizo en la década de los años sesenta no hubiera sido tan pobre, o tal vez y sólo tal vez, México no hubiera pasado por una década bañada en sangre y nuestra historia no sería otra. El poder del cine en la gente es muy poderoso y para quién lo dude en el pentágono de EU, la única oficina que está adjunta es la cinematográfica. Con la Sombra del caudillo no hubiera pasado ese cambio, de eso estoy seguro, pero lo que sí, es que la reacción en cadena que el cine emana persé es inimaginable. Ivan Juárez junio 2006

Los olvidados

Para nunca olvidarla. Cuando se habla de obras maestras del cine, hay que tener en cuenta que la euforia del momento al ver una buena película nos hace muchas veces decir; es la mejor película que he visto en mi vida, claro que al pasar del tiempo nuestra visión nos hace girar en varias vertientes, pero principalmente argumentamos dos; una, no era para tanto, otra; pues sí era buena. Solamente una pocas privilegiadas pueden darse el lujo de llamarse obras maestras, y es hoy que hablaré un poco de la cinta mexicana, realizada por el español Luis Buñuel en 1950; Los olvidados. Hablar de ésta obra declarada en 2003 por la UNESCO “Memoria del mundo” no es para menos, además de ser la segunda película declarada así, detrás de “Metrópoli” de Fritz Lang, la cual comentare en otra ocasión. No hablaré de ella en cuestión de argumento o trama, sino en los detalles que hicieron que esta obra fuera la obra máxima del siglo xx, en el cine mexicano. Luis Buñuel, buscó y consultó en el Tribunal de menores para basar su historia, además de artículos de nota roja para hacer su guión lo más realista posible, este trabajo dio como resultado una historia bada en hechos reales y fue por eso que la cinta no fue bien acogida entre los grupos conservadores de México. Su estreno duró solamente una semana en el desaparecido cine México, pero el destino siempre guarda sorpresitas a las mentes obtusas y represoras, pues sucedió que, en 1951 en el festival de Cannes fue galardonada a mejor dirección. Lo que obligó a reestrenarla en el también desaparecido Cine Prado que se ubicaba en Avenida Juárez, para después arrasar en la entrega de los Arieles, con 11 preseas, o sea que se llevó todo. Una de las anécdotas de la película, es que la encargada de peluquerías renunció luego de que la actriz Stella Inda rechazara a su hijo Pedro, pues argumentó que, una mujer mexicana nunca le haría eso a un hijo. Esta película grabada en Locaciones reales de la Cd de México de los años cincuenta, donde muchas de estas ya no existen, valen, como documento histórico, cinematográfico, sociológico o como usted lo quiera ver pero en concreto: valen oro. Además de que la cinta anduvo perdida por más de veinte años y recuperada por la filmoteca de la UNAM, hace unos años y salió a la venta en 2003 una edición especial en DVD, en aprox, 70 pesos, que contiene el famoso final alternativo de los olvidados, el final feliz, el cual Buñuel no pretendía meter, sino simplemente trataba de confundir a su equipo. Pero esta edición especial lo trae.Hace 66 años que fue realizada “Los olvidados”, con un Luis Buñuel de 50, logró madurar su experiencia en México y su naturaleza surrealista en ésta cinta, que nos muestra las carencias de la clase más desfavorecida en México. La misma clase que hoy sigue sufriendo la marginación y fracasos de los gobernantes, que cada vez los sumergen en una realidad surrealista. La realidad de Los olvidados. Nuestros olvidados.

Ivan Juárez

Mayo 2006

¡Ahí está el detalle!

Aistá el detalle En esta ocasión vamos a viajar al siglo pasado, nos ubicaremos en la situación histórica de México y el mundo. 1940, el mundo en guerra, en el 41 será el ataque a Pearl Harvor, y EEUU, entrará de lleno al conflicto armado. En México, el presidente Cárdenas, está en su último año de mandato y comenzará a fluir el gran conocimiento de los españoles refugiados desde el 39, gracias a la Guerra Civil. Ávila Camacho entrará en el conflicto mundial y reunirá a todos los presidentes vivos para ir juntos en la guerra, con todo y los antagónicos Calles y Cárdenas. Es en está situación histórica, se estrena en 1940 la obra clásica del mimo de México, “Cantinflas”, una de sus primeras películas y desde mi particular punto de vista, la mejor, es: “Ahí está el detalle”, pues el cantinfleo llega al punto álgido con esta cinta, el cual es mérito del guionista y director Juan Bustillo Oro, a diferencia de lo que muchos podrían pensar que el memorable juicio cantinflesco fue creado por Mario Moreno, pues no, ya que el juicio fue basado en un hecho real en las declaraciones delirantes del criminal Álvaro Chapa en 1925, es ahí donde bustillo Oro basa su historia en la muerte del Bobby el gángster, y El Bobby el perro, surge la comedia de enredos magistral de Cantinflas que junto a Joaquín Pardavé, marcarían el ritmo y timing de trabajo en la carpa mexicana, pues más que una obra cinematográfica es el teatro de carpa llevado a la pantalla. El sostén de la película son las actuaciones, no los cortes o encuadres y eso la hace vigente y de calidad. El dvd, lo puede conseguir en cualquier tienda de videos a menos de cien pesos, le recomiendo este clásico del cine mexicano. “Ahí está el detalle”. Ivan Juárez mayo de 2006

Nacidos en el burdel

El alma de los olvidados El documental, la expresión cinematográfica que estadísticamente menos ve el público mexicano. Pero si acaso usted piensa en que eso debe cambiar, tal vez es la ocasión de recapacitar un poco y asistir a la película Nacidos en el burdel. El filme que cuenta la vida de diez niños que habitan en la zona roja de Calcuta, allá donde la sociedad olvido. La comunidad que vive en la ignorancia, la polución y el maltrato, es ahí donde una fotógrafa decide contarnos la historia de estos pequeños hijos de prostitutas a través de las fotografías que los niños toman, gracias a un curso de dos años, que fue lo que le tomó a la fotógrafa realizadora de este film.Regularmente el documental nos informa, nos hace pensar y reflexionar, y esta propuesta lo hace también, pero hay algo en esta película que hizo que ganara el festival de Sundance, además del Oscar a mejor documental, y eso es la forma como está el montaje de la misma, pues en él, no sólo vemos la situación social y las condiciones raquíticas que vive la gente de esa comunidad de sexo servidoras. Ivan Juárez marzo de 2006

Buenas Noches, Buena Suerte

Hemos visto el atropello ocurrido por el Senado de la República y la Ley Televisa, y mirar hasta donde un Monopolio puede ejercer su opinión minoritaria en el país, y convertirla en mayoría aparente a través de las cúpulas políticas de México. Qué tanto poder tienen, que pueden mover a su antojo el bien público, qué fácil es asumir posiciones que representan la ventajosa situación de la televisora. Pues bien, esto es un claro ejemplo del poder que puede tener en el pueblo la televisión y sus consecuencias. Buenas Noches, Buena suerte, es una película que habla de los inicios de la televisión y la consecuente caza de brujas de esos años promovida por el Senador McCarty, y el cuestionamiento a la paranoia comunista de esos años, en donde se expulsaron a grandes cineastas, intelectuales y artistas, Es donde la televisora CBS, cuestiona los métodos de juzgar a los implicados. En principio se oye bien, pues creo que el tema es controversial e interesante, pero al verla y adentrarse en la trama, se queda muy por encimita del problema real, y el manejo del poder tanto del Estado como de la Televisora de la película. Otro punto en contra es la lenta y poco hilada trama de la película, la cual en lugar de adentrarnos al tema, más bien nos expulsa de tajo y sin miramientos. Yo pensé que asistiría a ver una película, cuyo tema principal sería la ignominia del poder, en este caso del Estado. Señores salí decepcionado. Pero al ver los debates de la cámara de Senadores, asistí a la verdadera ignominia del poder de Televisa sobre el Senado, en un solo acto que sobrepasará la ficción y trascenderá a la nación. Sobre la película Buenas Noches y Buena suerte, diría que es una film que pretende pero no surte efecto.

Ivan Juárez

abril 2006

Sexo, amor y otras perversiones

Mucha perversión pa tan poco sexo. Hay varias formas de poder hablar de esta serie de cortometrajes, que juntos forman el largo temático que hace esta película. La general: si tomamos la película desde un “todo”, pienso que la película puede cumplir las expectativas de entretener, el público en general, puede salir satisfecho, porque se divirtió con la película, con frases como: “está chidisima la película gue”, digo si se toma desde el punto también, desde el cual la gente se puede acercar por fin al cortometraje, y admirar su valor narrativo, pues tampoco hay la menor duda que sexo, amor y otras perversiones, es la opción sin más ni más. Pero si acaso fuera un poco más agudos, tal vez diría, que la película se queda en el mero pastelazo, o sea no avanza más allá de lo que necesita para que la gente vaya. Cosa que tampoco ocurre, pues la sala estaba a una capacidad media, pero en miércoles. El pensar que el mexicano es por antonomasia poco atento, nos hace ver que los temas han pasado de la ya clásica denuncia social, y la comedia de pastelazo. Yo no quiero pensar como estarían esos guiones de no haber pasado por el taller del maestro Vicente Leñero. El particular: si nos vamos puntualizando cada corto, la historia cambia, pues considero que hay mucha disparidad entre cada corto hay un gran apertura con el corto la llamada, creo que la elección para abrir la cinta fue estupendo, lo único que diría es que la historia es bastante previsible, y se entera uno de la relación lésbica desde minutos antes del punto de giro que es precisamente ese, pero la dirección de Gerardo Tort, se hace evidente. Lo mismo le pasa a dos meses de renta, dirigido por Carolina Rivera, el cual se vislumbra el final a partir del tercer minuto del corto. Pero el peor de los guiones fue el de Enrique Rentería, es realmente malo con ganas y auméntale la mala dirección de Gustavo Loza, Por amor, es el corto que no debió de estar, pues no hay una trama interesante, la historia se complica por sí misma, tal vez rentaría sea mejor contando historias largas, que las cortas, porque a su otro corto, le pasa exactamente lo mismo El columpio del Diablo. El mejor de los cortos en cuestión de dirección fotografía y actuación es para mi; María en el elevador, dirigido por Carlos Carrera, gran fotografía de Celiana Cárdenas, es en escencia un corto intimista y lleno de simbolismos y buenas actuaciones, tal vez muchos no crean que es la mejor, pero pienso que este es el corto por el que vale la pena chutarse siete historias huecas y sin trascendencia mayor que el pastelazo fácil y cómodo, que es donde circula casi todo el film. Lo que no podía creer es la descuidada fotografía de Patrik Murguía, sus tomas movidas para el auto, que hace todo un bamboleo de imagen, que es desapercibido por el espectador por las buenas actuaciones de los protagonistas, pero en verdad pudo haber sido una gran historia si la fotografía no se hubiese descuidado tanto. Las demás historias se me hicieron “x”, no aportaron nada nuevo de lo que ya había visto u oído. Una forma de mostrar cortometrajes, y armar una película es una fórmula que ha encontrado Sariñana, para reducir costos de producción, buena por esa.

Ivan Juárez

marzo 2006

Un mundo maravilloso

Qué bonito, es lo bonito En esta ocasión he decidido hablar de otra película mexicana, por la simple y sencilla razón de que ésta es; ¡La Película! Luis Estrada, muestra en un tono de humor negro y sátira, la vida de un personaje que por las circunstancias, le toca vivir una serie de peripecias que lo llevan de la paupérrima situación de la pobreza extrema, a la vida de una clase media “aparente”. Si eres nostálgico de la época de oro del cine mexicano, específicamente las películas de “Tin Tan”, y de Pedro Infante, ésta es la película que debes ver, pues a manera de homenaje y buena técnica cinematográfica, verás que éste director explotó al máximo la forma narrativa del cine de los años 40 y 50, adaptándolo a nuestros tiempos. Un mundo maravilloso, aplica una aguda crítica al poder, no en vano su anterior film “La Ley de Herodes”, fue motivo de censura en el gobierno. Lo que aporta esta historia de nuevo es mucho más que sólo una crítica social, es también una forma de cómo hacer un buen guión y convertirlo en una excelente película mexicana. Esta es la nueva forma de hacer cine en México. Es la vanguardia. Porque ha habido en estos tiempos un cine mexicano que acostumbra mostrar, ya sea las clases sociales bajas como lo peor, las cuales sufren toda la película o las comedias ligeras que no aportan más que entretener. Pero con este film, es seguro que te divertirás desde el primer segundo de la película y además te hará reflexionar sobre la situación del país en que vives, con chistes, sátiras, absurdos y personajes históricos de México. Yo me atrevería a decir sin temor a equivocarme, que ésta es una de las mejores películas mexicanas que se han hecho en los últimos veinte años, si no me crees, compruébalo. Ivan Juárez marzo de 2006

Capote

Es sorprendente inicio y es que, “A sangre fría” de Truman Capote, es igual de sorprendente. Que decir de la actuación de Philiphe Seymour Hoffman, no por nada ganó el Oscar a mejor actor, pues en el film se nota gran talento histriónico de este actor. Pero lo esencial lo podría centrar en dos aspectos, primero; el hecho de que “Capote”, es una película donde su principal protagonista es el libro, o sea “A sangre fría”, porque es el relato que cuenta el nacimiento del libro y que como el lo llamaba de “no ficción”, término improbable para una novela. El guión tiene como eje de movimiento, la novela. Segundo; el desarrollo del personaje Truman Capote, es francamente una actuación fabulosa. Es un homosexual contenido (hablando en el sentido de contención actoral). Hoffman, no se ve sobrado, al contrario, está en un nivel enorme. El único reclamo podría ser, que es tan buena la actuación de Hoffman, que el público que lea “A sangre Fría” a raíz de la película, recordará al actor en lugar de T. Capote, cosa mínima si estimamos que es un film que insita a leer, ¡cosa rara en las películas!, pues regularmente tendemos a decir: “ya para qué leo el libro, si ya vi la película” o “El libro es mejor que la película”. Pero ésta rompe con esos clisés ancestrales, al mirar la película, tu quieres saber de qué trata el libro e incluso hay una escena donde Capote lee el inicio de su novela, ante miles de espectadores, y uno dice; —No es posible que asistan a una presentación tanta gente—. ¡Señores, los espectadores, no solamente estaban en la escena!, sino también en la sala de cine, qué buena manera de hacer una lectura en voz alta con tan avasallador foro. ¡Bravo Capote! Un último punto, la música de capote es realmente el talento histriónico, porque en los momentos de tensión y fuerza de escena la música no hacía acto de presencia, incluso diría que en este caso, la música no es un factor de peso en la trama, como lo fue la actuación. Ivan Juárez marzo de 2006

Brokeback Mountain

La historia de más Esta película me asombra el glamour y promoción que se le hizo al estreno, amén de los premios Oscar, que auguraba una rotunda victoria en este evento. De acuerdo, no es una historia que se vea todos los días, en la pantalla, pero la constante de la historia es el morbo y la moral. ¿Por qué?, no es fácil pensar en dos cowboys, gays, que en la montaña tienen sus encuentros de vez en cuando, eso podría llamar la atención de entrada, el ver como se besan dos hombres en pantalla, ahí entra el morbo. Ahora bien, la crítica de esta historia es en sus bases, pues en los personajes hay un aparente estancamiento en su paso de la historia, y esto pasa porque cuando la relación homosexual se lleva a cabo, no hay un conflicto entre los protagonistas en su vida personal o en las subsecuentes visitas a la montaña, digamos que el conflicto nunca existió, pues lo solucionaron muy rápido en la trama en la primera hora, así que la siguiente hora, es en sí, una continuación del conflicto resuelto; o sea los que se aman, se seguirán amando. Y aquí hay un punto de reflexión en la historia, pues lo que mueve la trama es, la carga moral, heterosexual, al fin y al cabo la historia no es nada revolucionaria, ni está mostrando el hilo negro, pero además no está dando algo para aferrarnos a ella, es solo un historia y ya. Esto lo asevero, porque esta pareja termina con su castigo social y moral, el cual se deben merecer para cerrar la historia, y esto no lo digo yo lo dice la historia, pues, el que no se arrepiente es juzgado por la sociedad, el que sí se arrepiente es un hombre ermitaño, el cual no debería de tener contacto con las personas “normales”. Brokeback, no me asombró para nada, podrías ver la historia con un hombre y una mujer, y sería el mismo efecto, estarías viendo una película que no sale del común denominador de las historias de amor. El elemento gay no es provocador y revolucionario, es más bien morboso y moral. Pues a fin de cuentas todo termina bien para todos en la historia. La música y la trama, son hipnotizantes, media hora de empezado el film comienza a pasar algo, pero ¡oh decepción!, fue pura chanza pues el ritmo aletargado es como un narcótico que comienza a hacer efecto. Cuando veía que en la película no está pasando nada y yo sentado en la butaca me pregunté: ¡Qué hago aquí! Ivan Juárez marzo 2006

Los Tres Entierros de Melquíades Estrada.

La película es lenta, sus dos horas de duración bien aparentan tres, ya que la trama es pausada, en momentos se pone interesante, en momentos baja hasta el aburrimiento. Guillermo Arriaga es el guionista de Amores Perros y Veintiún Gramos, si ya ha visto al menos una de estas películas conoce el estilo de este guionista; con brincos de la historia, donde a veces estamos viendo el final luego, nos vamos a la mitad, y lo conecta con el principio de la película, pues “Los tres entierros”, no es la excepción, pero desgraciadamente los brincos de tiempo más que asombrarme, me decepcionaron, pues podía prever, lo que iba a pasar en los siguientes minutos. O sea nada. En México vemos todos los días como se abusa de los derechos de los migrantes mexicanos, vemos las vejaciones que comete la patrulla fronteriza, este abuso ligth, lo vemos en la película pero…, ¿y?, ¡ajá están!, ¡pero no pasa más! Tal vez es sorprendente para el público de Cannes, Francia ver estos actos y se escandalicen con ello, y que además se entrelace una historia absurda de un cadáver que puede viajar sobre el lomo de un caballo por el desierto, durante semanas, sin que el olor haga mella en los acompañantes y ni siquiera un buitre ronde por los aires, ok, podríamos decir que es una historia de ficción, pero la misma película se traiciona a sí misma, porque inicia en un tono realista y termina en un absurdo mágico. Un lobo es el único que se acerca al cadáver al principio, y fuera de unas hormigas nunca nadie nota que los viajeros cargan un muerto. Hay películas para ciertos países, “Los tres Entierros de Melquíades Estrada”, es para Europeos, pero para Latinos no lo es, y para los gringos menos.

El último deseo. Es la producción a realizarce el mes de diciembre del año 2006.